Há cerca de cinco anos, eu estava saindo do estacionamento de um shopping da zona sul do Rio, quando percebi que conhecia de algum lugar o motorista do veículo cor prata que se encontrava à minha frente. Era o Miele.
Levemente impaciente, ele estava às voltas com o ticket do estacionamento — não conseguia inseri-lo no terminal de jeito nenhum. Quando finalmente a cancela abriu, ele rapidamente engatou a primeira e seguiu em frente. Chegando a minha vez, tive que remover o ticket dele, que havia ficado engatado na máquina.
Luiz Carlos Miele era uma artista completo. Um showman, na acepção da palavra. Atuava. Cantava. Dono de um humor fino, era um exímio contador de histórias, dotado de uma elegância que já não existe nos nossos dias. E, na companhia do também saudoso Ronaldo Bôscoli, produziu espetáculos de artistas do calibre de Roberto Carlos e Elis Regina, entre outros.
Mesmo sendo clichê, é inevitável dizer: com ele, um capítulo importante da história do show business brasileiro se vai. Até hoje, arrependo-me de não ter levado comigo o ticket de estacionamento que ele deixou preso no terminal. Seria uma boa recordação.
Nove (longos) anos após o excelente On An Island, David Gilmour, ressurge com Rattle That Lock. Nesse hiato, o vocalista/guitarra do Pink Floyd esteve envolvido no lançamento do “canto de cisne” do gigante do rock progressivo, The Endless River, que chegou às lojas em 2014. De qualquer forma, é curioso observar que, apesar de sua extensa carreira. este é apenas o seu quarto álbum solo de estúdio.
Igualmente intrigante é a similaridade entre a apresentação do CD recém-lançado e o anterior. Ambos possuem dez faixas, sendo três instrumentais — e uma delas inicia os trabalhos. Aliás, não há como negar que o conceito de continuidade permeia Lock em sua totalidade.
Ao longo dos anos, Gilmour, 69, desenvolveu um estilo próprio — e inconfundível — de compor, tocar, arranjar e cantar. Sendo assim, fica claro o seu total desinteresse em soar “moderninho” ou algo do tipo. O artista busca apenas realizar com excelência aquilo que sabe — e é evidente que consegue. Ainda assim, há espaço para uma pequena “ousadia”: o (impensável) jazz (!) tipo fim-de-noite “The Girl In Yellow Dress”.
A primeira música de trabalho é justamente a animada — na medida em David se permite soar como tal — faixa-título, assumidamente baseada nas quatro notas que precedem os anúncios comerciais nas estações de trem da França. Já a letra, inspirada em Paraíso Perdido, livro de poemas do século XVII do inglês John Milton, foi escrita pela esposa do músico, Polly Samson. Aliás, Samson foi a responsável por várias letras do penúltimo álbum do Floyd, The Division Bell [1994].
Embora repleto de grandes momentos, como as belíssimas “A Boat Lies Waiting”, “Faces Of Stone” e a otimista “Today” (a segunda faixa de trabalho), Rattle That Lock não supera seu antecessor. Todavia, apresenta a competência habitual de um dos músicos populares mais importantes de todos os tempos — e certamente agradará os fãs de sua antiga banda. Afinal, com todo respeito a Roger Waters, Nick Mason e à memória de Syd Barrett e Richard Wright, podemos dizer que, hoje, David Gilmour é, sim, o Pink Floyd em pessoa.
O terceiro álbum de David Gilmour, On An Island [no detalhe, capa], de 2006, é, disparado, o mais coeso trabalho de sua (escassa) discografia longe do Pink Floyd. Contudo, não se trata de um CD “fácil” à primeira audição. Somente pouco a pouco o ouvinte consegue desvendar toda a sua magia.
Apenas uma faixa emula a sonoridade grandiloquente de sua antiga banda, o vigoroso rock “Take A Breath”. Nas nove faixas restantes, Gilmour optou por uma atmosfera etérea, serena, proporcionando 55 minutos de pura paz de espírito.
Além da ótima faixa-título, os pontos altos são o blues “This Heaven” e as estupendas “The Blue”, “Smile” e “When We Start”, que encerra o CD deixando uma sensação de “puxa mas, já acabou?” Vale frisar que, na instrumental “Red Sky At Night”, David deu-se ao luxo de gravar profissionalmente pela primeira vez como… saxofonista (!).
A resenha de On An Island pode ser conferida aqui. Devo reconhecer que o aprecio muito mais agora do que naquela época.
Veja o vídeo de “On An Island”, que conta com a presença de Graham Nash e David Crosby — que também participaram da gravação original —, extraído do DVD Remember That Night, de 2007:
Veja também o vídeo (gravado ao vivo no lendário estúdio de Abbey Road) da terceira faixa do álbum, “The Blue”, que traz um dos mais estupefacientes solos de guitarra de toda a sua carreira. Observem, no final, o sorrisinho maroto de Gilmour, como se dissesse: “toco muito”:
Antes de qualquer coisa, preciso dizer que não dei a mínima para a apresentação do Queen com Adam Lambert no Rock In Rio. Após a banda ter tentado substituir Freddie Mercury com Paul Rodgers — um baita cantor cujo estilo, porém, não se adequava ao grupo —, imaginei que o novo vocalista seria mais um "tiro na água".
Contudo, os comentários positivos de quem conferiu o show — alguns, por sinal, bastante entusiasmados — acabaram me deixando curioso...
Uma semana depois, assisti à performance da Brian May, Roger Taylor e companhia. E tenho que reconhecer que fiquei simplesmente... extasiado com o que vi e ouvi. Já não me lembrava o quanto gostava desses caras. May e Taylor continuam impecáveis em seus respectivos instrumentos, desfiando um repertório irretocável. Mas a grande surpresa da noite foi... Adam Lambert.
A responsabilidade sobre os ombros do americano de 33 anos era enorme: suceder ninguém menos do que um dos melhores vocalistas de rock de todos os tempos — à altura de outra realeza: Elvis Presley —, no mesmo palco onde, há exatas três décadas, o Queen fez história.
Nada disso, entretanto, pareceu intimidar Lambert. Além de possuir um material vocal excepcional, o intérprete mostrou muita personalidade e, com inteligência, fugiu da imitação de Freddie. Com uma atuação extravagante — e assumidamente gay —, conseguiu o que provavelmente ninguém poderia prever: fazer com que a Cidade do Rock gritasse o seu nome a plenos pulmões.
Durante duas horas, a banda passeou por praticamente todo o seu catálogo, executando com maestria hits dos anos 1970 — como "Don't Stop Me Now", "We Will Rock You" e "Somebody To Love" — e dos anos 1980 — como "Radio Ga Ga", "A Kind Of Magic" (com o autor da faixa, Roger Taylor, nos vocais) e "I Want To Break Free" —, sem esquecer canções dos anos finais de Mercury, como "I Want It All" e "The Show Must Go On". Em "Love Of My Life", a imagem de Freddie apareceu no telão, relembrando o momento mágico de 1985.
O grand finale, porém, não poderia ser outro: a arrasadora "Bohemian Rhapsody", que também contou com a imagem do vocalista no telão, emocionando a todos.
Há quem diga que "ninguém é insubstituível". Tenho minhas dúvidas. Os Beatles jamais poderiam prosseguir sem John Lennon ou Paul McCartney. Assim como seria um absurdo se a Legião Urbana entrasse em estúdio sem Renato Russo. Da mesma forma, se o Queen decidisse gravar um álbum de inéditas — o que considero improvável — iria macular a sua vitoriosa trajetória.
Por outro lado, não vejo como oportunismo o fato de Adam Lambert excursionar à frente do grupo. Pelo contrário: o jovem presta uma digna e respeitosa homenagem à memória de Freddie Mercury. Tanto os fãs de primeira hora quanto as novas gerações merecem continuar ouvindo ao vivo as imorredouras canções de uma das maiores bandas de sempre.
Veja o vídeo de "Radio Ga Ga", gravado no Rock In Rio:
Embora o Queen jamais tenha tocado "The Miracle" ao vivo, trata-se de uma das mais belas letras escritas por Freddie Mercury. Faixa-título do trabalho [acima, a capa] que o quarteto editou em 1989 — o penúltimo lançado em vida pelo vocalista —, enumera realizações do homem (como a fertilização artificial, os Jardim Suspensos da Babilônia e o Taj Mahal) e forças da natureza como a chuva que cai sobre o deserto do Saara e... Jimi Hendrix.
Também fala de pequenos "milagres" contidos em momentos simples da vida, como "xícaras de chá nas manhãs de domingo", além de clamar pela harmonia e pela igualdade de oportunidades ("se cada criança de rua / tivesse o que comer e vestir / seria um milagre", em uma tradução livre). E termina como um libelo pela paz, cantado de modo visceral por Mercury.
Há, no entanto, uma mensagem subliminar nessa canção. Já ciente de sua sorologia positiva, o cantor esperava por um milagre que, lamentavelmente, não ocorreu. Decididamente, não foi à toa que o álbum recebeu esse título.
Concebido sem grandes aparatos, o vídeo de "The Miracle" é um capítulo à parte. Quatro meninos foram escolhidos pela interpretar os membros da banda em várias fases de sua carreira. E conseguem reproduzir à perfeição os trejeitos de cada um deles. E por que crianças? Porque elas, mais do que ninguém, representam a esperança. Assista. E se emocione:
A nova edição da Mojo traz um presente e tanto para os seus leitores: o CD David Gilmour & Friends. Lançada com exclusividade pela revista britânica, a compilação apresenta duetos do ex-guitarrista e vocalista do Pink Floyd com nomes como David Crosby & Graham Nash, Phil Manzanera e The Orb, entre outros.
O grande trunfo do álbum, entretanto, é o delicado cover de Gilmour para “Here, There and Everywhere”, clássico dos Beatles. Em entrevista, o músico reconheceu a enorme influência que o quarteto exerceu em seu trabalho (“Eles me ensinaram a tocar guitarra. (…) Eles eram fantásticos”). E confessa que gostaria de ter feito parte do grupo.
A releitura de Gilmour foi gravada com a colaboração de seu filho, Joe, e enviada para a Mojo há dois anos. Contudo, o seu lançamento só veio a se concretizar após “longas conversas”. Embora tenha respeitado a versão original — lançada em Revolver [1966] —, o mestre não deixou de imprimir a sua assinatura na canção — o que inclui um solo de guitarra bem ao seu estilo.
Dele, não poderíamos esperar menos.
Ouça a versão de David Gilmour para “Here, There and Everywhere”:
Para celebrar os 30 anos de lançamento de “Exagerado”, uma das mais emblemáticasfaixas da carreira de Cazuza, grandes nomes do pop nacional reuniram-se, sob a batuta do experiente produtor Liminha, para regravar a canção, em uma realização da Musickeria Corp.
Preservando o registro de voz do cantor, “Exagerado 3.0” contou com as participações de Dado Villa-Lobos (guitarras, Legião Urbana), João Barone (bateria, Paralamas do Sucesso) e Kassim (programações eletrônicas), além do próprio Liminha (baixo). E, embora a ficha técnica estelar não tenha superado a (imbatível) gravação original, o resultado ficou bastante satisfatório. Ademais, a causa é (para lá de) nobre.
Parte dos direitos da venda do single — disponível somente no formato digital — será destinada à Sociedade Viva Cazuza, entidade criada há 25 anos por sua mãe, Lucinha Araújo, com o intuito de dar apoio a crianças infectadas com o vírus HIV, que vitimou o artista em 1990.
Em um tapume situado na Rua do Rosário, Centro do Rio, alguém teve a (curiosa) ideia de “carimbar” o rosto de Milton Nascimento, mencionando também o seu segundo álbum, Courage [1969] — cujo repertório é formado majoritariamente por faixas do primeiro trabalho do cantor, de 1967, com algumas de suas letras vertidas para o inglês, visando o mercado norte-americano.
No fundo, trata-se de um círculo vicioso — e dificílimo de ser rompido: as pessoas tornam-se individualistas e prepotentes justamente devido… ao individualismo e à prepotência dos demais.
No dia 07 de dezembro — somente agora os vídeos foram disponibilizados na web —, Sting foi um dos agraciados com o Prêmio Kennedy 2014 pelo conjunto de sua obra.
Nada mais justo: gostem alguns ou não, trata-se de um dos mais brilhantes compositores populares do século XX, autor de pérolas como “Every Breath You Take”, “Fields Of Gold” e “Roxanne”, entre outras. Bom melodista e exímio letrista, não ganhou 16 Grammy Awards à toa.
Como de praxe, algumas canções do homenageado foram interpretadas por outros artistas em um pocket show, que sempre conta com a presença do presidente dos Estados Unidos e sua primeira dama. Os demais laureados dessa edição foram o ator Tom Hanks, a comediante Lily Tomlin, a bailarina Patricia McBride e o “reverendo” da soul music Al Green.
Lady GaGa — que, certa vez, em pleno palco, classificou Sting como “uma de suas pessoas favoritas no mundo” — abriu os trabalhos. Acompanhada por uma banda afiada, cantou a suingada “If I Ever Lose My Faith In You”. E nem mesmo os exageros vocais da cantora comprometeram a sua (boa) releitura:
Em seguida, Esperanza Spalding e Herbie Hancock tocaram “Fragile”, uma das canções de Sting com notável influência da sonoridade brasileira:
Na sequência, Bruce “O Cara” Springsteen retribuiu a (excelente) participação de Sting no Prêmio Kennedy de 2009, quando foi um dos homenageados. E simplesmente “quebrou tudo” em uma versão antológica do country “I Hung My Head”. Em um determinado momento, o autor, no camarote, fechou os olhos tentar para conter a emoção. Após um lancinante solo de guitarra de “The Boss”, um coral gospel adentra o palco, coroando uma performance para ver e rever várias e várias vezes:
O grand finale ficou sob a responsabilidade de Bruno Mars — o mesmo que, na cerimônia do Grammy de 2013 conseguiu a façanha de colocar Sting para cantar uma canção sua (!). E o jovem não fez feio no medley que reuniu dois dos maiores sucessos do Police: “So Lonely” e “Message In A Bottle”. É bem verdade que Sting assistiu a apresentação inteira com os olhos marejados. Mas o momento de maior emoção para o baixista foi quando, para sua surpresa, todo o elenco de The Last Ship, seu primeiro musical na Broadway, entrou em cena para o encerramento:
